In veel opzichten is Shrek een trendsetter geweest voor de animatiefilms die daarna verschenen. Dit komt vooral doordat DreamWorks Animation met Shrek een film heeft gemaakt die haaks stond op de norm van de (westerse) animatiefilms van die tijd. In wezen is Shrek een grote bespotting van Disney en de traditionele manier waarop ze hun films maakten en animatie als vertelvorm gebruikten. In Disneyfilms wordt de roeping van de held doorgaans gebruikt om het hoofdpersonage op weg te helpen naar zijn heldenreis. In de film negeert het hoofdpersonage Shrek zijn roeping als held in eerste instantie en noemt hij die zelfs ”een hoop onzin”. De belangrijkste reden waarom Shrek zijn heldenrol en de traditionele verhaallijnen in sprookjes als onzin beschouwt, heeft te maken met zijn zelfbeeld en zijn identificatie als oger. Volgens Shrek krijgen ogers geen ”lang en gelukkig leven” of een sprookjesachtig einde, omdat ze onbeleefd, lelijk, bruut en slecht met emoties zijn. Diep van binnen, achter alle humor, popcultuurliedjes en actiescènes, lijkt Shrek toch onzeker, eenzaam en ongelukkig te zijn. Toch krijgt Shrek uiteindelijk een prachtige prinses die ervoor kiest om een oger te blijven, omdat ze het goede en mooie in hem ziet. Shrek laat zien dat zelfs monsters verkeerd begrepen kunnen worden, liefde kunnen vinden en in een uienwagen de verte kunnen inrijden om nog lang en gelukkig te leven. DreamWorks Animation heeft met Shrek een nieuwe draai gegeven aan de manier waarop sprookjes in animatiefilms werden verteld en aan het traditionele concept van ”nog lang en gelukkig leven”.
Na het grootse einde van Wicked (2024) keren Elphaba en Glinda in het vervolg Wicked: For Good terug als uitvergrote tegenpolen. De een wordt gedemoniseerd als de Wicked Witch of the West, terwijl de ander gekroond wordt tot een glamoureus symbool van goedheid. Wicked: For Good voltooit het verhaal dat Wicked opende. Daarbij stelt het vervolg nog nadrukkelijker de vraag: wat betekent het eigenlijk om een goed mens te zijn en wat kost het ons?
Na het grote commerciële succes van The Super Mario Bros. Movie (2023) zat er dik in dat er een vervolg op deze door Illumination en Nintendo geproduceerde avontuurlijke animatiekomediefilm zou komen. Op 1 april 2026 werd het vervolg, The Super Mario Galaxy Movie, uitgebracht in de Amerikaanse en Belgische bioscopen. Vanaf 2 april 2026 was de film ook officieel te zien in de Nederlandse bioscopen. The Super Mario Galaxy Movie is net zoals zijn voorganger geregisseerd door Aaron Horvath en Michael Jelenic. Naast de regisseurs keerde ook scenarioschrijver Matthew Fogel terug om het verhaal van het vervolg te schrijven. Met de release van The Super Mario Galaxy Movie is de verhitte rivaliteit tussen het alledaagse filmpubliek, de fans en de critici ook helemaal terug. De (online) discussies tussen het alledaagse filmpubliek, fans en filmcritici over de kwaliteit van The Super Mario Galaxy Movie en het nut van filmkritiek lopen nogal hoog op. De filmrecensenten zijn bij dit vervolg ervan overtuigd dat het verhaal amper aanwezig is. Een punt dat zeker erkend mag worden. De teruggekeerde regisseurs en scenarioschrijvers zijn bij de release van The Super Mario Bros. Movie genoeg aangewezen op hun gebrekkige en voorspelbare verhaal van de film. De regisseurs en scenarioschrijver hebben deze kritiekpunten niet tot zich genomen om een beter verhaal voor het vervolg neer te zetten. In plaats daarvan hebben ze een verhaal neergezet dat nog magerder is en een nog slechtere verhaalstructuur bevat dan de eerste film. Uiteindelijk maakt dit de fans en het alledaagse filmpubliek niets uit. Zo zijn de fans nog steeds van mening dat verfilmingen van Mariogames eenvoudige verhaallijnen hebben, omdat de Mariogames zelf al geen diepgaande verhalen hebben. De fans en het alledaagse filmpubliek lijken zo ontevreden te zijn met het commentaar van de filmcritici dat ze zich opnieuw beginnen te verzetten tegen het nut van filmkritiek. Mamma mia…
Tafiti – dwars door de woestijn is dwars door de catalogus van iconische Disneypersonages heengegaan en heeft twee van zijn herkenbaarste figuren gepakt. Er zijn geen detectivevaardigheden nodig om te concluderen dat het stokstaartje Tafiti en het aardvarken Borstel een (niet zo) stiekeme imitatie zijn van Timon en Pumbaa: twee van Disney’s meest humoristische filmpersonages. De filmpersonages Timon en Pumbaa complimenteerden elkaars karakters, uitspraken en humoristische streken in de films en series rondom de franchise van The Lion King. In Tafiti – dwars door de woestijn bereiken de filmpersonages van Tafiti en Borstel niet eens de helft van Timon en Pumbaa’s hoogtepunten. De onderlinge dynamiek tussen Tafiti en Borstel oogt simpel. Timon en Pumbaa hebben twee duidelijke persoonlijkheden met verschillende karaktereigenschappen. Hiermee weten deze twee welbekende filmpersonages elkaars normen, waarden en levenswijzes uit te dagen, te versterken of zelfs te doen veranderen. De persoonlijkheden van Tafiti en Borstel spelen meer in op het filmgenre van de buddyfilm dan op elkaar. Net zoals menig film uit dit specifieke filmgenre gaan twee filmpersonages met tegenstrijdige persoonlijkheden (Tafiti en Borstel in dit geval) samen op een avontuur. In dit filmgenre richt het verhaal zich op de vriendschap die, ondanks de tegenstrijdigheden en verschillen, ontstaat tussen de twee filmpersonages. Tafiti – dwars door de woestijn is hier niet anders in. De nadruk in deze Duitse familieanimatiefilm ligt vooral op de komische en avontuurlijke reis die Tafiti en Borstel afleggen om een mysterieuze blauwe bloem te vinden die de opa van Tafiti kan redden. Tijdens dit avontuur houdt Tafiti bewust de vriendschap met Borstel voor een langere tijd tegen. Toch begint Tafiti zijn metgezel Borstel steeds meer te zien als zijn (beste) vriend. In de basis levert Tafiti – dwars door de woestijn een klassiek en degelijk voorbeeld van een familieanimatiefilm dat de verhaalstructuur volgt van een buddyfilm. Toch blijft het onmogelijk om de film niet te vergelijken met de superieure filmische avonturen van Timon en Pumbaa uit de franchise van The Lion King.
Tre ciotole is een poëtische, audiovisuele afscheidsbrief aan melancholische (liefdes-)herinneringen. In de film neemt Marta op drie verschillende manieren afscheid. Ze neemt afscheid van haar partner Antonio, van haar oude zelf en uiteindelijk van het leven. Hiermee laat de film zien hoe rouw snel van vorm kan veranderen. Wanneer Marta gediagnosticeerd is met een tumor, doet het haar niet meer pijn als ze aan haar ex Antonio denkt. Haar pijn en rouw zijn verschoven naar een ander punt in haar leven. De film laat zien hoe Marta terugdenkt aan de tijd dat alles nog goed was. De herinneringen uit deze tijd worden gefilterd door homevideo-achtige opnames en worden weergegeven als warme, nostalgische beelden die aanvoelen als bewaarde “perfecte momenten”. Het geïdealiseerde en geromantiseerde herinneringsbeeld botst hard met het heden, waarin het leven van Marta veel zwaarder is na haar breuk met Antonio en het krijgen van haar tumordiagnose. Tre ciotole laat zowel de ruzies als de klachten die respectievelijk leiden naar de breuk met Antonio en de tumordiagnose zien. Daarnaast laat de film de warme liefdesherinneringen van zowel Marta als Antonio zien. Het filmpubliek maakt dus niet alleen romantisering vanuit Marta’s perspectief mee. Marta en Antonio lijken beide liefde als “een groot gedoe” te zien. Het gedrag van deze filmpersonages geeft weer hoe ze onbedoeld het geromantiseerde en uitvergrote beeld van “de liefde” in stand houden. Hun knipperlichtrelatie tot “de liefde” zelf staat onder druk en wordt onder andere verbeeld via straatlichten in Rome die kapot uit en aan flitsen. De dokter van Marta vertelt haar richting het einde van de film dat alleen een amoebe nooit ziek wordt, omdat die niets onderneemt en niet eens weet dat die bestaat. Hiermee zet Tre ciotole het leven gelijk aan kwetsbaarheid, want wie echt leeft, loopt het risico pijn te ervaren. Daarom beargumenteert Marta later in de film ook dat het leven het waard is om ten volle geleefd te worden, ondanks en juist vanwege wat je overkomt. Tegelijkertijd zijn bepaalde filmscènes op enkele momenten langdradig en overdramatisch. De film start enorm sterk, maar later komen de verhaallijnen over Marta’s tumor en haar breuk met Antonio soms over alsof ze elkaar afleiden in plaats van aanvulden. Tre ciotole bevat veel verschillende onderwerpen die niet altijd even goed op elkaar inspelen, maar desondanks als even belangrijk worden gepresenteerd.
Regisseur Vincent Munier probeert het filmpubliek van zijn natuurdocumentaire Whispers in the Woods een bepaald gevoel bij te brengen. Het is het gevoel dat je krijgt als je in de natuur oog in oog komt te staan met een dier. Soms gebeurt dit onverwacht. Wat altijd hetzelfde blijft, is dat de ontmoeting met een adembenemend boswezen zowel lang als vluchtig aanvoelt. Twee wezens, een mens en een bosdier, kijken elkaar aan, terwijl ze allebei intense gevoelens ervaren. Gevoelens van verwarring, verbazing, nieuwsgierigheid en angst wisselen elkaar snel af. Er valt een moment van stilte. Beide wezens houden hun adem in, wachtend tot de ander de eerste stap zet. Meestal gebeurt dit allemaal in een paar seconden, voordat een van de twee wezens besluit verder te gaan en zijn leven voort te zetten. Geen van beiden is hierna echt onveranderd of veranderd. De familie Munier gaat doelbewust en zorgvuldig op zoek naar dit soort contactmomenten met de natuur en haar bewoners. Deze doelgerichte aanpak is het grootste verschil tussen de plotselinge en levensveranderende ontmoetingen die iedereen kan overkomen en de contactmomenten die de familie Munier in de Vogezen beleeft. Het resultaat is een documentaire die het filmpubliek voortdurend doet nadenken over hoe belangrijk, bijzonder en mooi de natuur en haar wezens zijn. De manier waarop Vincent Munier de Vogezen weet te tonen, is nog nooit eerder zo intiem en fantasierijk gedaan.
De makers van de populaire Mastermovies-video’s laten met komediefilm Straf zien dat de absurdistische en droge humor waarvoor ze bekendstaan, goed te vertalen valt naar een speelfilm. Een speelfilm maken is andere koek dan het maken van komische fandubs van films en series. Toch bevat de komediefilm van regisseurs Merijn Scholte Albers en Tobias Smeets meerdere aspecten die ambitieus genoemd mogen worden. De komediefilm bespreekt niet alleen de negatieve effecten van pesten, maar laat ook op een humoristische manier zien hoe sulletjes kunnen leren op te komen voor zichzelf door (letterlijk en figuurlijk) het gevecht tegen hun pestkoppen aan te gaan. Verder bevat Straf momenten waarin het gepeste hoofdpersonage, muziekdocent Edwin, leert zelfverzekerder te worden zonder te verliezen wie hij echt is en wat hem bijzonder maakt. Straf bespreekt verder de effecten van het gemis aan respect en laat zien hoe vriendschappen ook op een latere leeftijd kunnen ontstaan. Het bijzonderste, ambitieuze aspect is dat de film lijkt te hinten naar kennis over de overlappende eigenschappen van verhalen waarin identiteit en verlossing centraal staan. Deze Nederlandse komediefilm kaart veel ambitieuze thema’s aan, maar vaak blijven ze oppervlakkig. Het aankaarten of opzetten van verhaallijnen rondom deze thema’s brengt niet automatisch diepgang met zich mee. Daarvoor moeten thema’s daadwerkelijk uitgewerkt worden. De diepgang die deze thema’s aan deze komische film zouden kunnen toevoegen, wordt nauwelijks bereikt. Dit neemt echter niet weg dat de humor in deze film schittert en uiteindelijk gaan de meeste filmliefhebbers naar komediefilms voor de grappen in plaats van voor de betekenis of diepgang van het verhaal.
Jurassic World: Rebirth probeert nieuw leven te blazen in de grootste franchise met dinosaurussen door terug te gaan naar de oorsprong van deze films. In plaats van een simplistisch, maar diepgaand filmverhaal vol revolutionaire visuele effecten en iconische filmmuziek, is er met dit vervolg vooral gefocust op het maken van dezelfde fouten die al in de eerdere films zijn gemaakt. De enige echte wedergeboorte die in dit vervolg genoemd kan worden, is dat de filmmakers nieuwe manieren vinden om dezelfde domme fouten uit oudere films te maken (of tot leven te brengen). Zo bevat Jurassic World: Rebirth dezelfde typische narratieve keuzes die ook in de eerdere vervolgen zijn gemaakt. Van ¨enigszins schattige¨ verkoopbare dinosaurusmetgezellen tot een kindvriendelijke en gezinsvriendelijke B-plot: dit vervolg heeft het allemaal. Daarnaast is er opnieuw een gloednieuw eiland toegevoegd. Een eiland dat ¨altijd al¨ aanwezig is geweest in deze filmwereld, maar nooit eerder is benoemd. Het is ironisch dat een film getiteld Jurassic World: Rebirth zo weinig vernieuwende filmaspecten bevat. Dit vervolg is zo vernieuwend als Coca-Cola Light of Coca-Cola Zero was toen het werd uitgebracht vergeleken met het originele drankje. Ondanks dat de titel de belofte doet dat deze film de wedergeboorte van de franchise is, blijft Jurassic World: Rebirth hetzelfde soort vervolg, maar dan net anders verpakt. Er is nog geen vervolg op Jurassic Park (1993) geweest dat zo hard probeert om deze franchise aan zijn filmpubliek te verkopen als iets wat de moeite waard is om te consumeren. De film lijkt op dezelfde manier te zijn gemaakt als de ingenieurs van InGen nieuwe gemuteerde dinosaurussoorten creëerden. Bepaalde aspecten uit eerdere films zijn geselecteerd en aan elkaar geplakt om op de veiligste manier een leuk avonturenverhaal te maken. Er is niets uitdagends terug te vinden in deze film. Jurassic World: Rebirth bevat amper discussies rondom morele thema’s die blijven hangen of die een diepere betekenis toevoegen aan het filmverhaal. De filmmakers proberen niets nieuws of baanbrekends om de filmtoeschouwers een echte memorabele filmervaring te geven. Aan het einde van de dag is Jurassic World: Rebirth een product dat zo snel mogelijk gemaakt is om zoveel mogelijk filmtoeschouwers in een korte tijd enthousiast te krijgen om de film te gaan kijken in de bioscoop.
De coming-of-age-dramafilm Everyone’s Sorry Nowadays begint met een titelsequentie die het filmpubliek een kijkje geeft in het artistieke werk en de gedachten van het jonge hoofdpersonage Bianca. Zo opent de film met beelden van haar plakboek. De titelsequentie toont afgescheurde en uitgeknipte vormen vol ruig ingekleurde pagina’s en foto’s van natuurelementen als bloemen. Het plakboek is bewust op bepaalde manieren gekaderd en onvolledig in beeld gezet. De beelden in deze film zijn net zo op dezelfde bewuste manier gepositioneerd als de Amerikaanse filmmaker Wes Anderson op een opzettelijke manier gebruikmaakt van strakke, centrale en symmetrische composities in zijn films. Anderson gebruikt dit regelmatig om een gevoel van orde, stabiliteit en precisie in zijn films te scheppen. In Everyone’s Sorry Nowadays gaan regisseur Frederike Migom en filmmonteur Christine Houbiers samen met artdirector Nadja Götze hier expres tegenin. In het plakboek van de titelsequentie is geometrische abstractie terug te vinden. Zo bevat het plakboek meerdere gekleurde of uitgeknipte (en gekleurde) horizontale en verticale lijnen die andere visuele elementen benadrukken of begrenzen. De keuzes die gemaakt zijn door Migom, Houbiers en Götze bij het visualiseren van de titelsequentie doen niet alleen denken aan hoe Anderson bewust te werk gaat met zijn composities, maar ook aan hoe de Nederlandse kunstschilder Piet Mondriaan dit deed. Net zoals bij het werk van Mondriaan, lopen de uitgeknipte en (in-)gekleurde vlakken of lijnen vaak door buiten de randen van het plakboek. Het werk dat het hoofdpersonage Bianca aflevert in haar plakboek is bewust dynamisch in plaats van statisch. Het werk in haar plakboek oogt als op papier gezette artistieke hersenspinsels waarmee ze de emoties en gedachten uit haar hoofd probeert te reguleren, begrijpen of plaatsen.
De Nederlandse filmmaker Dick Maas laat met Flodder de kunst van het (extra-)ordinair zijn zien. Zo weet Maas van het “ordinaire” iets buitengewoons (oftewel extraordinair) en extra ordinair te maken. De Nederlandse komediefilm is extra ordinair, omdat de karakterarchetypen van de filmpersonages bewust zijn uitvergroot om voor extra komische conflicten en sociale tegenstrijdigheden te zorgen. Daarnaast is Flodder extraordinair, omdat Maas erin slaagt om te laten zien dat in alle sociale omstandigheden jezelf (of ordinair) blijven een kunst op zich is. Flodder is simpelweg een heerlijk vulgaire film over (extra-)ordinaire typetjes. Het filmverhaal mag dan simpel zijn en enkele onnodig uitgerekte scènes bevatten, maar toch is Maas erin geslaagd om een Nederlandse komediefilm te maken waarin de filmsfeer boven het plot komt te staan. De Nederlandse filmmaker legt in Flodder de focus op de filmsfeer, de opgeblazen of overdreven karakters van de filmpersonages en de hilarische tegenstrijdigheden tussen familie Flodder en de rijkelui uit Zonnedael. De Nederlandse komediefilm bevat niet alleen scherp geschreven interacties en veel grove en donkere humor, maar ook trendneerzettende filmpersonages die decennia later nog steeds als voorbeeld dienen voor veel (Nederlandse) filmmakers. De stereotyperende karakters van deze filmpersonages zijn zo buitengewoon en overdreven uitvergroot dat ze leuk en hilarisch zijn om te aanschouwen. Het ordinaire en alledaagse aspect van de filmpersonages uit Flodder is zo verankerd in de Nederlandse mediawereld en filmindustrie dat ze niet meer weg te denken zijn. Voor de (Nederlandse) filmindustrie is Flodder een standaard voorbeeld voor wat er met eenvoudige of uitvergrote stereotyperende filmpersonages gedaan kan worden.